Fotografía

México Contemporáneo en FoLa

FoLa, Fototeca latinoamericana presenta en Buenos Aires la exposición México Contemporáneo en la que tres fotógrafos  hacen una lectura del fervor cotidiano de su país y su gente. Una mirada inédita, aguda y sutil sobre el devenir mexicano.

Por: Pablo Cabado (Fola, junio 2017)

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    Independientemente de con quien duerma. Miguel Calderón
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    Empleado del mes. Miguel Calderón
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    Acapulco. Miguel Calderón
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    Suburbia mexicana. Alejandro Cartagena
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    Suburbia mexicana. Alejandro Cartagena
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    CarShow. Alejandro Cartagena
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    De la serie frontera. San-Diego-Tijuana-XIII.Pablo López Luz
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    De la serie frontera. Pablo López Luz
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    Pyramid. Pablo López Luz

En el contexto de la fotografía Latinoamericana, México ha tenido un papel sobresaliente desde la invención misma de la fotografía en adelante. Pero quizás el momento cumbre se defina por el reconocimiento internacional obtenido a partir de la inclusión de tres de sus autores en la exposición “The Family of Man” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en el año 1955. Esta exposición, concebida por el fotógrafo Edward Steichen, director del departamento de fotografía del Moma en ese momento, marca un capítulo central en la historia de la fotografía del siglo XX y de algún modo, el reconocimiento de la fotografía como arte. Manuel Álvarez Bravo, Lola Álvarez Bravo y Riva Brooks fueron los autores invitados para la ocasión.

Manuel Álvarez Bravo ha sido además una figura importantísima de la fotografía latinoamericana, protagonista del movimiento surrealista y maestro indiscutible de una brillante generación de fotógrafos mexicanos que incluye a Graciela Iturbide, Pedro Meyer, Mariana Yampolsky, Pablo Ortíz Monasterio, Flor Garduño, entre muchos otros.

Pero México además se ha nutrido de las visitas constantes de muchos de los más célebres fotógrafos del siglo XX, quienes han producido en ese país, fascinados por la riqueza natural y cultural y por las complejidades sociales que lo han atravesado: Edward Weston, Tina Modotti, Henri Cartier Bresson, Joseph Koudelka, Sebastião Salgado.

Dentro de ese panorama y de la grandísima riqueza de autores, curar una exposición de fotografía contemporánea mexicana conlleva la compleja y a su vez inmensa posibilidad de poder elegir entre muchos fotógrafos, todos de grandísima calidad.

Mi selección se basa en mi gusto personal, tres autores nacidos en la década del ’70 cuyos trabajos transitan entre la mirada personal y documental, un punto donde también me siento representado.

Miguel Calderón (1971), actor central en la escena mexicana desde hace años, sus temas tienen que ver con la violencia y la corrupción en la sociedad mexicana, la cetrería. Muchas de sus obras incorporan el humor mordaz y referencias directas de la cultura popular del país. Además de fotografía, trabaja en video, escultura y pintura. Su trabajo Independientemente de con quien duerma compila imágenes de distintas etapas de su producción como fotógrafo, también presenta las series Evolución del Hombre y Empleado del Mes y el video Caída Libre en el que registra con gran belleza 24 hs en la vida de un aficionado a la cetrería.

Alejandro Cartagena (1977), su trabajo se centra en la exploración del paisaje y el retrato como instrumentos de observación de las construcciones culturales, sociales y políticas que conforman la sociedad actual. Suburbia Mexicana y Carpoolers son dos de sus trabajos más reconocidos. En la serie Carpoolers, Cartagena documenta el viaje del día a día de los trabajadores en la ciudad de Monterrey, desde uno de los puentes para peatones, desde allí el autor accede a una visión cenital de las camionetas de los jardineros, albañiles, plomeros, que día a día en el ritmo incesante del “progreso” van y vienen a cumplir con su labores, creando un políptico de gran poderío estético. En Suburbia Mexicana el autor se enfoca en el desmedido desarrollo inmobiliario de la periferia y su impacto social y ambiental.

Pablo López Luz (1979) Frontera y Pyramid, son las dos series del autor, en Frontera, las texturas de un territorio político por excelencia, se convierten casi en obras abstractas, fotografiadas desde el aire en cuatro viajes en helicóptero y realizadas con gran rigor técnico, la frontera vista desde arriba resalta la gran belleza de un paisaje natural cargado de conflictos. En Pyramid el autor explora el paisaje urbano y realiza un compendio visual de formas geométricas simples, que nos remiten a los modelos prehispánicos denotando la inserción y vigencia de estos patrones en el contexto urbano contemporáneo de diversas ciudades latinoamericanas.

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Los Flores y las flores

Cecilia Reynoso

El universo de las fotografías de Cecilia Reynoso gira alrededor de los 16 integrantes de la familia, que fotografía desde el año 2009, extendida en las reuniones familiares.

Cecilia Reynoso estudió Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine. Realizó el Taller de Estética y Expresión fotográfica a cargo de Juan Travnik y el de Fotografía Contemporánea de Julieta Escardó. Recibió los premios: Mejor Portfolio en la Bienal de Fotografía Documental (2012), Obra seleccionada en el Salón Nacional de Fotografía (2013), Mención de honor en el Salón Nacional de Fotografía (2014), y Tercer premio Paraty em Foco, Brasil (2015).

Exposiciones: Festival de Fotografía de Valparaíso, Chile (2013), Museo Timoteo Navarro, Tucumán (2014), Festival Internacional de Dali, China (2015), Musée du quai Branly, PhotoQuai, París (2015), Festival Paraty em Foco, Brasil (2015), Centro Cultural Kirchner; “Aquí nos vemos”, Fotografía en Latinoamérica (2015) Buenos Aires; La serie fue proyectada en Buenos Aires, Los Ángeles, Seul, Bydgoszcz y Tel Aviv en Slideluck (2015-2016); Alimentación General, Colaboración #6 "Los Flores y las flores", Buenos Aires (2015); Arte x Arte; Familia "Modelo para Desarmar", Buenos Aires (2016); Saint Jean Pied de Port,  "D´ un monde à l´autre", Biarritz, Francia (2016)

Sus fotografías hab sido publicadas en Courrier International. Nro 1287 du 2 au 8 juillet, Francia (2015); The Huffington Post Italia (2015); Revista Crisis #22, Argentina (2015); Family Photography Now, Thames & Hudson (2016) y Libération, Francia (2016).

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Lei Mao: “La ciudad es un escenario público”

Adriana Morán Sarmiento

Lei Mao tenía 8 años de edad cuando descubrió que le gustaba estar detrás de la cámara fotográfica, no delante de ella. Si bien su punto de partida fue una toma en blanco y negro que hizo sobre un detalle de su mano, fueron sus estudios de arquitectura y la influencia de fotógrafos importantes como Henri Cartier Bresson, Martin Parr o Gursky Andreas, los que afianzaron su convicción por la fotografía profesional.

Chino de nacimiento, residenciado en Róterdam y trotamundos incansable, captura con su lente la sencillez del ser humano, sobre todo, desde el otro lado de la acera, del carril del tren, de la plaza…

-¿Cómo se ve desde el otro lado?
-En mi mente, parece que no hay otro lado, todos estamos en el mismo, sólo diferentes posiciones. Algunos están más lejos, algunos están más cerca de la vida.

-¿Qué te permite decir la fotografía?
-Realmente, yo no estoy tratando de decir algo en las fotos, sólo quiero mirar u observar el mundo a través de la cámara. Podemos capturar esos momentos extraños a través de la cámara, como un mundo totalmente diferente a nuestra vida normal. Tal vez, lo que quiero decir es que el mundo no es sólo lo que parece.

-¿Hay diferencias importantes entre la fotografía oriental y la occidental?
-Sí, las diferencias son claras, sólo quiero contar un ejemplo extremo: en el siglo 20, Bresson hizo una serie de fotos sobre China, y al mismo tiempo, tenemos otros fotógrafos chinos que tomaron fotos sobre China, en ese mismo período específico. Sólo basta con comparar los dos y cualquiera puede ver que el significado de las fotos es totalmente diferente para estos dos grupos de gente, en ese momento. No puedo decir cuál es la raíz de estas diferencias, pero al menos, la fotografía bordea un montón de significados que son dados por el medio ambiente.

-¿De qué manera influye la cultura occidental en tu trabajo?
-Cuando tomé estas fotos, no pude evitar la influencia de la cultura occidental, basta con decir que en mis fotos las principales actividades y hábitos de las multitudes muestran su cultura.

-En tu fotografía hay un predominio de grandes edificaciones sobre pequeños seres humanos ¿es una visión postmoderna del mundo?
-Usualmente yo no uso esa palabra, esta clasificación está relacionada demasiado con las definiciones históricas, como ¿qué es la modernidad? ¿Qué es lo postmoderno? Tengo que decir que los seres humanos siempre se localizan a sí mismos en una definición específica en medio de una red enorme que elaboraron. Como las personas de estas fotos, en realidad, sus posiciones son simplemente un desorden al azar.

-Como arquitecto, ¿de qué manera está incluida la ciudad en tu fotografía?
-La ciudad se parece más a un escenario público para mí, la gente haciendo sus shows, la gente usando sus máscaras y uniformes, hacen lo que deben hacer. Como podemos ver ahora, en la ciudad la gente está agotada por su trabajo y su manera de vivir, ese es el espectáculo en el escenario público.

-¿Cómo construyes al sujeto dentro de la fotografía? La gente pasa casi desapercibida.
-Siempre tengo mucho cuidado con mis actividades fotográficas. No quiero que la gente me note. Si hay un espectáculo, los artistas deben estar enfocados en los personajes que realizan. Si me notan, perderán su carácter y el espectáculo fallará, por ende también la foto fallará.

-En tu trabajo encontramos una constante presencia de luces y sombras, ¿puede eso ser un resumen de lo que es la fotografía?
-Sí, se trata de luces y sombras, pero es más que eso, se trata de un espacio para contener estas luces y sombras. También, se trata del artefacto que creó estas luces y sombras especiales.

-¿Cómo defines tu propuesta?
-Creo que mi propuesta es más similar a la colección documental de un observador.


Traducción inglés: Fedora Mora – María del Carmen Vargas
Traducción chino: Lucía Galarza


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