Artes Visuales

Prenez soin de vous

(Cuídese mucho) Sophie Calle

Recibí un e-mail diciéndome que todo había terminado.
No supe cómo responder.
Era casi como si no hubiera estado dirigido a mí.
Terminaba con las palabras, “Cuídese mucho”.
Y así lo hice.
Le pedí a 107 mujeres, elegidas por su profesión o habilidades,
que interpretaran esta carta.
Que la analizaran, la comentaran, la bailaran, la cantaran.
La agotaran. Que la entendieran por mí. La respondieran por mí.
Era una forma de darme tiempo para cortar.
Una manera de cuidarme.

Con estas palabras Sophie Calle (París, Francia, 1953) explica su obra Cuídese mucho (Prenez soin de vous) un proyecto realizado para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007.

Cuídese mucho toma su nombre de la despedida epistolar que recibió la artista de su entonces pareja. La frase cierra un correo electrónico con el que da por finalizada su relación amorosa. A partir de este mensaje, Sophie Calle realizó una obra con 107 mujeres de diversas profesiones como filósofas, periodistas, escritoras, investigadoras, profesoras, cantantes, actrices, además de su madre, una adolescente, una niña de nueve años, una clarividente, dos marionetas y una lora, en la que analizaron e interpretaron el contenido de dicha carta.

El resultado es una radiografía de una ruptura que meticulosamente disecciona cada significado posible de las frases de un mensaje de despedida, a través de un compendio de retratos fotográficos, estudios por escrito y actuaciones en video que examinan las posibilidades de las emociones humanas y expresan ideas sobre el amor, el dolor, el sexo, el trabajo, la intimidad y la identidad desde diferentes puntos de vista.

Sophie Calle en Buenos Aires
En Buenos Aires, Cuídese mucho se exhibe en el segundo piso del recién inaugurado Centro Cultural Kirchner hasta el 23 de agosto, en el marco de la primera Bienal de Performance, 2015

En esta ocasión, y por primera vez, se invitaron a participar artistas varones para aportar su propia mirada. La curadora Maricel Álvarez presenta un ciclo de performances inédito que plantea un cambio radical de perspectiva analítica al poner el foco en la visión masculina. ¿Qué pensarán los hombres acerca de los motivos que impulsaron la redacción de esa carta de ruptura? En busca de respuestas, la actriz y directora convocó a reconocidos artistas e intelectuales argentinos a exponer sus propias conclusiones desde las disciplinas que practican.

La exposición puede verse de jueves a domingo de 14:00 a 20:00 horas. Más información en www.culturalkirchner.gob.ar

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No hay rosas sin espinas

Viviana Debicki

“Viviana Debicki construye objetos-retrato. Trabaja su lenguaje desde la mirada interior, del cotidiano, del universo paralelo hogareño. Trata de evidenciar la certeza momentánea, el segundo del tiempo que ha pasado, el instante representable. Se unen tiempo y ausencia re significando sueños. Sueños que se volvieron realidad, realidades que se volvieron recuerdos.”

Luisa Brandt (Arte Paralela)

  • Viviana001
    De la serie “La costurera”
  • Viviana002
    De la serie “La costurera”
  • Viviana003
    De la serie “La costurera”
  • Viviana004
    De la serie “La costurera”
  • Viviana005
    Las muchachas feministas
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    Las muchachas feministas (fragmento)
  • Viviana007
    Los niños desbordados
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    De la serie “La remendona”
  • Viviana009
    De la serie “La remendona”
  • Viviana010
    De la serie “La remendona”
  • Viviana011
    De la serie “La remendona”

VIVIANA DEBICKI vive y trabaja en Buenos Aires, es Licenciada en Artes Visuales, IUNA y Profesora Nacional de Escultura, Escuela Nacional de Bellas Arte Prilidiano Pueyrredón. Como escultora, ha participado de numerosas muestras en espacios oficiales y privados y en salones nacionales de escultura. Pero, en los últimos años, su trabajo se fue alejando de la pieza escultórica, para investigar acerca de los objetos cotidianos como vehículos de la memoria. Los materiales simples, pequeños y casi intangibles de los que se nutre la memoria y, particularmente, los referidos al alimento y al abrigo, recibidos de manos femeninas durante la infancia.
Esa búsqueda ha derivado en el desarrollo de acciones que involucran al espectador en forma directa. Así, dibuja platos usados que la gente le acerca, trabaja sobre tela con frases aportadas por mujeres, interviene fotos familiares donadas por sus protagonistas, borda historias de mujeres en vestidos de muñecas, arma costureros con viejos elementos de mercería y fotos cedidas por sus dueñas.
Parte de esta tarea han sido la donación de la pieza “Labores de abuelas” a Fundación Abuelas de Plaza de Mayo, en el marco de la muestra de otoño del Jardín de Esculturas (2007), su participación en “Hagamos visible lo invisible”, grupal de artistas sobre violencia de género en el Centro Cultural Recoleta (2009), en “Genéricas”, muestra realizada en la Legislatura Porteña (2010) y “Para muestra basta un botón”, en el Espacio Cultural La Toma, Rosario (2011).
Actualmente, trabaja en la serie “Las nenas de rosa” acerca de los estereotipos de género adquiridos desde la niñez y ha expuesto parte de esos trabajos en su muestra “Lazos y moños”, en el Museo de la Mujer de Buenos Aires (2014) y en el Museo Casa Carnacini de San Martín (2015).
Su obra forma parte desde marzo de 2011 del patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica.

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Té con Abreu

Javier Abreu. Performance 2015

Silencio absoluto. Un hombre toma el té delante de una cámara, la marca está a primera vista. Al final la frase "me gusta mucho el té".
No es un comercial, es la nueva obra del artista uruguayo Javier Abreu (El empleado del mes) que forma parte de la colectiva que realizará Lipton en los próximos meses en Uruguay.
Tras los pasos de Warhol, el anti spot renace y se retuerce en sí mismo.

Vea "Té con Abreu" (Click en la imagen)

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JAVIER ABREU, nació en Maldonado, Uruguay. Es conocido como “El empleado del mes” por su performance de un trabajador de McDonalds que recorrió las calles de La Habana. Trabaja con diferentes soportes como fotografías, performances, objetos e instalaciones. Toda su obra es transgresora y política. Ha expuesto en Santiago de Chile, Panamá, La Habana, Buenos Aires, México DF, Sao Paulo, París, Barcelona y varias ciudades de Uruguay. Su performance “Degustación de productos”, en la cual comió su propio excremento, tuvo repercusiones internacionales.

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Jorge Martín Salas

Dibujo

"El amor es como el arte lo que algunos ven maravilloso para otros es una mierda."

  • Jorge01
    Dark Smile -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge02
    Cada pez en su pecera -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge03
    Necesito cosas que no me necesiten -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge04
    Catchorro -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge05
    Caída libre -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge06
    Invernadero natural -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm
  • Jorge07
    Yo soy esto -Tinta y acrílico sobre papel.23x32 cm

JORGE SALAS es diseñador gráfico gráfico y Licenciado en Gestión del Arte y la Cultura. Su trabajo incluye dibujos, tintas, acrílicos y objetos donde intenta investigar los límites de las formas como procesos geométricos. Actualmente es colaborador de Proyecto La Estrella, una iniciativa de integración social a través del arte.

http://jorgemartinsalas.blogspot.com

http://jorgemartinsalas.tumblr.com/

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El paraíso está dentro de mí

Regina José Galindo, por Adriana Morán Sarmiento

Fotos: ALUD. Thessaloniki Performance Festival, parallel programme of the 3rd Thessaloniki Biennale of Contemporary Art. Tesalónica, Grecia. 2011. Fotos: Eleftheria Kalpenidou.


Todo comenzó en 2001 cuando Regina José Galindo participó en la 49. Bienal de Venecia. Luego, dos ediciones más tarde, fue galardonada con el León de Oro. Desde entonces, el mundo del arte abrió las puertas a su denuncia, a su esencia de mujer plasmada en cada performance que realiza.

Hizo sangrar sus piernas al escribirse con un cuchillo la palabra PERRA. Se sometió a una intervención quirúrgica de dudosa legalidad con el fin de reconstruir su himen y su virginidad. En otra ocasión, rasuró su cuerpo completo, incluyendo la cabeza, y caminó desnuda por las calles de Venecia. Con su performance ¿Quién puede borrar las huellas? (2003) recorrió la ciudad de Guatemala desde la Corte Constitucional al Palacio Presidencial, cargando una palangana llena de sangre humana, en protesta por la candidatura del antiguo dictador Efraín Ríos Mont, acusado de miles de muertes… Estas son algunas de las acciones artísticas cargadas de connotaciones sobre la realidad social latinoamericana.

Con sencillez y concisión, la artista guatemalteca resume en estas respuestas su trayectoria.

-¿Qué tan importante es la mujer –como elemento, como objeto/sujeto, o como soporte- de tu obra?
-Es fundamental. La mayor parte de mi trabajo lo soluciono con performance, con el cuerpo y mi cuerpo es de mujer.

-¿Cuál es el cuerpo imaginario y el cuerpo real?
-El cuerpo es uno y es real.

-¿En qué momento pasa a ser un cuerpo social, un elemento artístico público?
-En el momento en que se da la empatía. Cuando el público ve en el cuerpo de la artista su propio cuerpo, o un reflejo. Cuando se ve en la obra de una u otra forma, cuando se integra. Cuando la experiencia estética del performance detona tanta energía que el público deja de ser simple observador.



-¿Cómo se refleja en tu obra la violencia que se vive en nuestros países Latinoamericanos?
-En la crudeza.

-¿Qué es ser una mujer vulnerable en este contexto?
-La paranoia de salir sola de noche y voltear a ver a todas partes antes de subirte a tu auto. El cuidado extremo de no ponerte una falta demasiado corta que despierte los instintos bestiales de los machos en las calles esperando que les pases al lado para acosarte con obscenos piropos. El miedo que alguna vez te da pensar en el futuro cuando tienes hijas.

-¿El dolor forma parte del proceso creativo?
-El dolor forma parte de la vida; y los procesos creativos forman parte de la vida. Pero eso no quiere decir que toda creación surja del dolor.

-Una vez dijiste: “toda víctima va a ser un victimario en potencia”
-Lo dije mal. Toda víctima es un victimario en potencia o todo victimario fue en algún momento víctima.

-¿Cómo se explica esta idea en el desarrollo de la obra?
-En la triada que muchas veces utilizo. En acciones como Confesión en donde estaba presente el victimario, la víctima y el tercer poder que es el más importante, el autor intelectual. Al final de la pieza el victimario se sentía sumamente mal, culpable, incómodo. La adrenalina de la acción lo había envenenado, el poder lo había corrompido y había sido más violento de lo platicado. Y yo, que había sido la víctima pero también la autora intelectual, y quien organizó y planificó todo, fue quien lo absolvió, por así decirlo.

-¿De qué manera interviene la poesía?
-Interviene en todo momento. La poesía permea los procesos creativos, ese es el tipo de arte que más me interesa.



-¿Qué lugar ocupa el amor en tu trabajo?
-El amor, la rabia, la decepción, el miedo... cada cosa tiene su lugar, depende del momento, y de la pieza, claro está.

-Has expuesto en Estados Unidos y varias ciudades de Europa ¿cómo es recibida tu obra en otros contextos culturales y sociales?
-Se recibe bien, de hecho he expuesto más afuera de mi contexto.

-¿Tu obra es complaciente?
-¿Con quién?.

-¿Es el performance la manera más fácil de denunciar?
-Yo no denuncio nada. No sabría decírtelo y no me lo parece. Yo trabajo con información que está al alcance de todos pero lo presento desde mi perspectiva.

-En Suramérica se habla poco del arte contemporáneo guatemalteco ¿está poco desarrollado o no tiene mucha promoción fuera del país?
-En otras partes se conoce mucho más. Existe un movimiento muy interesante y fortalecido en toda la región. Guatemala es una región muy extraña, es pequeña conflictiva pero repleta de movimiento y oferta cultural.

-¿Que falta por hacer?
-Políticas coherentes.

-¿Qué se necesita para cambiar el mundo?
-
Empatía y solidaridad.

-¿Dónde está el paraíso?

-Dentro de mí.

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