Artes Visuales

Alejandro Pasquale

El paraíso siempre perdido

 

  • Pasquale04
    Silencio. Óleo y carbonilla sobre tela cruda. 150x110cm. 2019
  • Pasquale03
    La fuerza. Óleo sobre tela. 86x75x7cm. 2019
  • Pasquale02
    Las leyes naturales. Óleo sobre tela. 140x110cm. 2019
  • Pasquale07
    La hora dorada. Óleo sobre tela. 150x115cm. 2020
  • Pasquale01
    El refugio. Óleo sobre tela. 100x80cm. 2019
  • Pasquale05
    Phi. Óleo sobre tela. 95x82x7cm. 2019
  • Pasquale06
    Viento de alas y colores eternos. Óleo y carbonilla sobre tela. 145x110cm. 2019

 

¿Quiénes somos?

Según Alejandro Pasquale, somos lo que soñamos. Así titula a uno de sus trabajos, y en él comprime prácticamente todo su mundo particular y pictórico. En este cuadro y en este título encontramos todas las preguntas que la difícil ecuación de su obra parece proponernos. La infancia como tema central; la máscara como trampa constante; el juego como el guion perfecto; la naturaleza como la respuesta absoluta. Toda su obra gira desde hace años en torno a esos ejes que combina de diferente manera, produciendo en todos los casos un reto visual al espectador, quien fácilmente cae rendido ante la atracción de la perfecta composición y la magnífica factura que en cada una de las obras le ofrece. Todo es bello, todo está perfectamente dibujado, todo es reconocible, todo parece muy simple, pero sin embargo nadie sabe realmente qué es lo que está pasando allí. Sinceramente creo que ni el propio autor lo sabe, pues de otra manera ya habría resuelto su propio laberinto iconográfico imaginario. Pero no, no puede. El autor está atrapado en el sueño al que vuelve reiteradamente, pues ante todo él es lo que sueña. ¿Qué son esas máscaras continuas? ¿Qué hacen esas plantas exóticas curativas? ¿Y ese azul verdoso que invade la atmósfera en todos sus paisajes, que nos retrotrae constantemente a Patinir? ¿A qué juegan? ¿Y por qué hay pájaros siempre? Somos lo que soñamos, pero somos lo que sentimos, lo que vivimos, lo que amamos, lo que odiamos, lo que sufrimos, lo que comemos, lo que leemos, lo que oímos, lo que cantamos, lo que deseamos, lo que proyectamos… Somos nuestras verdades y nuestras mentiras, y también somos lo que pintamos.

Y sí, Alejandro Pasquale es todo lo que hay en esos cuadros: un niño y muchas máscaras. Un hombre-niño con todas las cuestiones a cuestas, con todos los dolores y los anhelos gritando a través del mundo paralelo que los pinceles le ofrecen; un niño con algo irresoluble al que parece gustarle regodearse constantemente en esa herida del pasado y del subconsciente permanente y activo, que no deja de gritar en el momento en que un lápiz le abre la puerta a esa otra dimensión: la representación.

Pintar-soñar. Estos cuadros son sueños planteados desde la consciencia de la razón. E interpretarlos como yo pretendo, es una empresa inútil. Por tanto, llevémoslos a nuestro propio espacio onírico y dejemos que hablen solos. Mirémoslos y cerremos los ojos. Shhh... ¡¡Silencio, silencio!! Oigamos su respiración, el delicado aleteo de los pájaros, dejémonos seducir por eso que llaman la vida secreta de las plantas y apartemos las preguntas. Y si topamos con esa inmensa melancolía que parece presidir esa esfera del mundo, no nos asustemos y dejemos que se exprese eso que sabemos que no podremos descifrar, pero que sí vamos a entender si no le hacemos preguntas. Quizás esté allí esa extraña desazón que porta toda vida, el misterio de las flores simples y esas otras de nombres extraños, la imposibilidad de un jardín que nos imponen cuando somos pura floresta y en general nuestra amarga aceptación de haber perdido el paraíso que, sin embargo, sentimos que aún vive dentro de nosotros.

Por: Rafael Doctor Roncero

 

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Alejandro Pasquale. En mis trabajos intento mostrar mas allá de un simple relato físico que se pudiera ver en un personaje retratado. Compongo la obra con la idea de expresar los mundos o escenas creados a través de la conciencia no ordinaria de estos personajes; en este sentido utilizo las mascaras o vegetación que cubre sus rostros como metáfora visual de la exploración de la conciencia no ordinaria, ubicados en un momento en el cual aflora su inconsciente y los transporta hacia algún lugar/espacio de contexto atemporal y atmósfera onírica. Es el entorno en el cual se encuentran estos personajes, el resultado de su exploración psicológica e imaginaria, una naturaleza muchas veces representada de forma idealizada.

Dennis Osabede

Por Kekena Corvalán

Hablar de “arte africano” es asignarle una generalización neocolonizante a una visualidad potente. Por eso, quizás sería bueno que, frente a los trabajos de Dennis Osabede, nos dejemos llevar más por una sensibilidad despierta que por una zozobra totalizante que solo desterritorializa e incomprende lo que sea que quiere ver.

Pies descalzos, caballos rosados y azules, vasitos plásticos de ice cream, libros y muebles de diseño nórdico dentro de casas occidentalizadas, podrían ser significantes perplejos que nos problematizan la inteculturalidad como fenómeno de penetración y apego.

Recursos pop, colores plenos, composición aplanada, fondo y figura como vibración alegre y hasta casi decorativa, sería claves más o menos lúdicas y dentro del estándar de lo que puede ser un artista marcado por estar en la vidriera de los Saatchi boys, a no ser por un detalle demoledor: esa máscara estilizada, despersonalizante, de secuestrado secuestrador, esa trampa que pudre la imagen, la contradice, la dispara en nuestra contra, la vuelve un artefacto belicoso contra cualquier confort, a la que hay que acercarse, cuando menos, con cuidado de ser mordidos, arruinados, por tanta belleza.

 

 

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Kekena Corvalán (Buenos Aires, 1964) Investigadora, docente, escritora y curadora feminista. Graduada en Letras (UBA). Profesora de Arte Latinoamericano y Teoría Cultural en la Universidad del Museo Social Argentino y en programa de posgrado de Middlebury College. Ha dictado cursos sobre artistas mujeres desde 2009 en Argentina y el exterior. Integra el equipo de expertos del Consejo Federal de Inversiones, y formó parte de las Becas Federales FNA/UNSAM/CCK. Recibió el Premio Alba de Crítica y Teoría del Arte. Sus trabajos críticos han sido incluidos en diversas publicaciones académicas y teóricas nacionales e internacionales. Realizó narrativas curatoriales y muestras en varias ciudades y fue jurado en festivales de cine y en premios de artes plásticas y fotografía. Actualmente integra el colectivo Mata Negra (Videoarte en la Patagonia Austral), lleva adelante el programa Escuela de Maestras para artistas mujeres mayores de 40 años y codirige el portal cultural www.leedor.com. Es miembra fundadora de Malón de Octubre.

 

Terug Naar de Dijk

Hugo Palmar

 

  • Terugnaar001
    De la serie Terug Naar de Dijk. Tinta, creyón, grafito, acuarela sobre papel. 30 cm x 24 cm. 2020.
  • Terugnaar002
    De la serie Terug Naar de Dijk. Tinta, creyón, grafito, acuarela sobre papel. 30 cm x 24 cm. 2020.
  • Terugnaar003
    De la serie Terug Naar de Dijk. Tinta, creyón, grafito, acuarela sobre papel. 30 cm x 24 cm. 2020.
  • Terugnaar004
    De la serie Terug Naar de Dijk. Tinta, creyón, grafito, acuarela sobre papel. 30 cm x 24 cm. 2020.
  • Terugnaar005
    De la serie Terug Naar de Dijk. Tinta, creyón, grafito, acuarela sobre papel. 30 cm x 24 cm. 2020.

 

Para muchos, el espacio de libre circulación se ha reducido a la comodidad de lo doméstico. Algo desconocido, invisible y que a diferencia de nosotros no discrimina, nos ha confinado, interrumpiendo el ciclo de nuestra "normalidad".

No hay dudas sobre la interconexión y dependencia que el progreso técnico nos ha traído, y a pesar de todos los caminos de asfalto y concreto vacíos durante días, incluso sobre lagos, montañas y selvas, todo el combustible y los vuelos, todo el antropoceno esperando allá afuera y aquí adentro por nuestro regreso.

¿Qué lugar hemos dado a nuestra propia otredad, en qué lugar y con quienes nos ha encontrado? ¿Codiciaremos el control sobre lo que desconocemos de nosotros mismos? Y ahora todo este espacio íntimo también construido, ¿de qué lado nos encuentra?

La serie de dibujos "Terug Naar de Dijk" (De vuelta al dique) nace de un imaginario primitivo, relacionado con la territorialidad del cuerpo, el deseo y el control sobre lo desconocido. Un imaginario como posibilidad de desplazamiento que me ha puesto ante el papel y la tinta, así, el dibujo altera mi espacio tiempo de vuelta, como estrategia creativa y de pensamiento, sin dejar de lado el absurdo como posible estrategia de supervivencia. 

Acá una selección de la serie que fue iniciada 40 días después del inicio del confinamiento y sigue en proceso.   

HP. Amsterdam, 2020.

 

Hugo Palmar (Ciudad Ojeda, agosto de 1977) inició su carrera artística junto al colectivo LA TINTOTA en Maracaibo. He participado en distintas exposiciones colectivas nacionales e internacionales, Caracas, Maracaibo, Ciudad Bolívar, Bruselas, Sao Paulo, Aruba, Ámsterdam, Harlem, Tilburg, Washington DC, Miami. Ha realizado tres exposiciones individuales: "YO SOY", Cevaz Gallery Maracaibo 2006; "micropolítica" INSIGHT Foundation for the Arts Aruba 2010; y QUE TENGAS UN CUERPO, Superpolítico y Apátrida, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, 2015. Mención Honorífica 8vo Salón Regional de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia 2012. Beca Fundación PROA Buenos Aires, Seminario Internacional de Arte e Integración Social 2012. Programa Federal Para las Artes, ART BOOMERANG CÓRDOBA ARGENTINA 2012 – 2014 Entrenamiento dirigido por el Curador Daniel Fischer. Es artista, museólogo comunitario, abogado, chef Internacional. Actualmente vive y trabaja en Amsterdam. Curador de las ediciones: 13, 14 y 16 de Revista Muu+

 

Imagine all the people

Pierpaolo Rovero

 

  • París plays classical.
    París plays classical.
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    París plays classical – Detalle.
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    London drinks tea.
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    London drinks tea – Detalle.
  • Pierpaolo005
    Madrid makes love.
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    Madrid makes love – Detalle.
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    Firenze cooks.
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    Firenze cooks – Detalle.
  • Pierpaolo009
    Torino embraces.
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    Torino embraces – Detalle.
  • Pierpaolo012
    Athens sporting.
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    Athens sporting – Detalle.

 

Pierpaolo Rovero nació en Turín en 1974, es ilustrador y viajero.

Con sus ventanas, con las cuales alcanzó un éxito rápidamente en las redes sociales durante los últimos meses, pretende conectarse con el espectador y reflexionar sobre lo que está pasando en el mundo.

Fue Imagine de John Lennon la canción que le ayudó a entender que «dibujando todas esas ventanas abiertas podía mostrar la cotidianidad de las personas que habitan en diferentes ciudades del mundo y así poder construir un cable de conexión entre todas ellas». (Lola Matamala / elcuadernodigital.com)

En algunas obras se reconocen personajes populares, en otras sólo hay siluetas que bailan, cocinan, hacen el amor o simplemente están ahí, inertes. Pero en todas hay acción. Cada ciudad está ligada a una acción, la obra es dinámica.

Lo importante, en estas ventanas de Rovero, es no perder los detalles.

 

Por #revistamuu.

Pablo Mattioli

 

La obra de Pablo Mattioli transita en imágenes de paisajes despojados y perturbadores, donde narran viajes reales o imaginarios, en los cuales el tiempo y el espacio se funden, se confunden; atmósferas inciertas seducen y coquetean con el espectador.

 

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Pablo Mattioli nació en Mercedes, Provincia de Buenos Aires, Argentina, en 1971. Egresó de la escuela nacional de bellas artes “Rogelio Yrurtia” y completó su formación en el Instituto Universitario Nacional de Arte. Desde 1994 ha participado en distintas disciplinas de las artes visuales, dibujo, pintura, arte correo y artes del fuego, realizando diversas muestras individuales, colectivas y trabajos docentes interdisciplinarios. En el año 2001 editó junto a Myrian Holgado el libro “A Book of Artists Pages” Exposiciones individuales: “Ayer soñé”, Late Galería, Bs As (2008), “Infancia”, CC Casona de los Olivera, Bs As (2009). Ultimas exposiciones: “Argentina después de argentina”, CAM, Bs As (2001), “Juegos de artista”, Centro de Arte Moderno, Madrid (2002), “Arte y punto”, CC Recoleta, Bs As (2003), “Propiedad horizontal”, IMPA la fábrica, Bs. As (2004), “Trocca”, Nosso, SP, Brasil (2005), “Paisajes urbanos”, Fund. AEPA, Bs. As (2006), “Salón pequeño formato”, Alicia Brandy, Bs As (2009), “Inventario” Espacio FAC, Bs As, “Verano”, Galería Forma, Bs As (2009), “Multidisciplinaria”, CC El Nombrador, Bs As (2010). Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

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